Iconos de la marca Fender - (Biografía y Video)

[Frico]

Nile Rodgers comenzó su carrera como músico de estudio y tocando en la banda del famoso Apollo Theater de Nueva York para artistas como Aretha Franklin, Ben E. King, Nancy Wilson y Parliament Funkadelic.

En 1970 conoció al bajista Bernard Edwards y formaron una banda de rock llamada The Boys con la cual nunca lograron un contrato discográfico ya que las compañías les rechazaban al descubrir que eran negros; según los ejecutivos de dichas compañías, los negros no podían tocar música rock.

Estas experiencias y el activismo de la época llevaron a Rodgers a involucrarse activamente con las Panteras Negras. En 1977 Rodgers y Edwards junto a Tony Thompson forman el grupo de funk Chic. Al grupo se le atribuye un carácter más Disco ya que obtuvo muchos éxitos en la época Disco e incluso ayudó a popularizarla con canciones como Everybody Dance, Le Freak y Good Times. Chic se disolvió en 1983 y Rodgers se dedicó a la producción musical, algo que ya conocía bien pues en 1980 ya había producido para Diana Ross los éxitos Upside Down y I'm Coming Out.

Junto a Edwards produjo en 1983 el álbum de David Bowie Let's Dance y en 1985 el Like a Virgin de Madonna. Duran Duran trabajó intensamente con Rodgers quien les produjo éxitos como The Reflex y The Wild Boys. También trabajó con John Taylor y Andy Taylor en el proyecto Power Station. En 1986 produjo el álbum Notorious de Duran Duran y su amistad con ellos le ha llevado a trabajar también en su álbum de reaparición llamado Astronaut. En 1996 la revista Billboard le entregó el título de Mayor Productor del Mundo. Ese año participó en una serie de conciertos homenaje en Japón junto a Bernard Edwards, Sister Sledge, Steve Winwood, Simon Le Bon y Slash. Desafortunadamente su socio musical de toda la vida Bernard Edwards murió de neumonía durante dicha gira, un golpe que le afectó mucho.

 

[Frico]

Roy Buchanan empezó su carrera musical en Pixley, California. Su padre fue un aparcero. Buchanan contó cómo su primer recuerdo musical está vinculado a reuniones de mezcla racial promovidas por su familia. "Gospel," decía, "así fue cómo entré en la música negra". Creció, efectivamente, entre influencias muy dispares mientras aprendía a tocar su instrumento. Inicialmente, demostró talento para la steel guitar antes de cambiarse al instrumento estándar a comienzos de los cincuenta.

En 1957 Buchanan hizo su grabación de debut, tocando el solo de "My Babe" Dale Hawkins para Chess Records.

Tres años más tarde, Buchanan se dirigió a Canadá, donde tocó la guitarra en el grupo de Ronnie Hawkins (más tarde conocido como The Band). Uno de los guitarristas del grupo, Robbie Robertson, estudió guitarra aprendiendo de Buchanan y terminó por ser el guitarrista principal cuando Buchanan abandonó el grupo.

Los comienzos de los 60 sitúan a Buchanan tocando de acompañante en muchas bandas de rock y con músicos como Freddy Cannon y Merle Kilgore.

Los problemas de muchos años con alcohol y sustancias sufridos por Buchanan empeoraron con el tiempo, culminando cuando le arrestaron por conducir en estado de ebriedad; algunas horas después, Buchanan fue encontrado en su celda ahorcado con su propia camisa. La causa de muerte fue registrada oficialmente como suicidio, lo cual ha sido discutido por algunos amigos de Buchanan y familia (cita requerida).

La carrera musical de Roy le llevó de giras en clubs en los años 60 y 70 a la televisión nacional, a las ventas de discos de oro y a los viajes mundiales en los años 80 con Lonnie Mack, The Allman Brothers Band y Willie Nile.

 

http://www.youtube.com/watch?v=DDOIL5OqvYs&feature=related

[Rodrigo Gonzalez]

Genio, predecesor de Jeff Beck, Danny Gatton y Jim Campilongo en ese estilo de telecaster.

 

Saludos

[Frico]

Hank Marvin (nacido como Brian Robson Rankin1 el 28 de octubre de 1941 en Newcastle, condado de Tyne y Wear, Inglaterra) es un guitarrista y líder del grupo The Shadows, considerado el más influente del pop británico hasta la llegada de los Beatles. Actualmente reside en Southampton junto a su familia y la familia de su difunta esposa.

Hank Marvin es parte importante tanto de la imagen, con sus características gafas de concha, como sobre todo del sonido de The Shadows, en el que destaca su guitarra limpia con efectos de reverberación y trémolo.2 Marvin es la inspiración reconocida de multitud de guitarristas entre los que se encuentran Mark Knopfler o Pete Townshend.

De niño comenzó tocando el banjo y el piano, pero tras escuchar una canción de Buddy Holly, se decidió a tocar la guitarra. Su carrera profesional comenzó a los 16 años, cuando —junto a su compañero de la escuela Bruce Welch— viajó a Londres y conoció a Johnny Foster, representante de Cliff Richard. Foster andaba buscando un guitarrista para la próxima gira de Richard por el Reino Unido y coincidió con Marvin en The 2i's, una cafetería típica del Soho londinense, a donde en realidad había ido a buscar al guitarrista Tony Sheridan. Marvin aceptó el puesto a condición de que también hubiera un sitio para Bruce Welch en The Drifters, nombre por el que se conocía entonces a la banda de acompañamiento de Cliff Richard.

Hank Marvin se hizo con la primera Fender Stratocaster del Reino Unido, que Cliff Richard se encargó de importar. Esta guitarra y sus características contribuyeron a definir el sonido de Marvin y de The Shadows. Richard y Marvin estaban buscando en un catálogo de la marca Fender la guitarra de James Burton, el entonces guitarrista del grupo de Ricky Nelson. Dieron por sentado que se trataría de una Stratocaster pues éste era el modelo más caro del catálogo, pero Burton, sin embargo, tocaba de hecho la Telecaster ya que la Stratocaster era un modelo relativamente nuevo. Hank Marvin utilizó la Stratocaster desde 1959 hasta 1961, año en que Jennings Musical Industries —la empresa importadora para el Reino Unido— uniformó a todo el grupo con el modelo Stratocaster Fiesta Red, y volvió a manos de Cliff Richard. Este acabaría regalando la guitarra a Bruce Welch en los años 70 en agradecimiento por su trabajo como productor.

El grupo de acompañamiento de Richard cambió su nombre de The Drifters a The Shadows para evitar confusiones con el grupo vocal estadounidense del mismo nombre,3 y en 1960 comenzaron a grabar sus propios discos con temas instrumentales. El primero de ellos fue «Apache», que llegó al número 1 de las listas británicas en julio de ese año.

Hank Marvin conseguía su original sonido de guitarra haciendo sonar su Stratocaster a través de amplificadores Vox, tanto AC15 como AC30 y un efecto de eco para batería. Los modelos de este último han sido, sucesivamente, un Meazzi Echomatic, un Meazzi Vox, un Binson Echorec y un Roland RE-301 Space Echo. En la actualidad utiliza un Alesis Quadraverb Q20.

Hank B. Marvin es, incuestionablemente, una de las principales influencias de gran cantidad de guitarristas de pop y de rock a lo largo de las últimas décadas.2 Al tratarse de uno de los primeros que alcanzaron notoriedad, han sido muchos los intérpretes de ese instrumento que dieron sus primeros pasos en la música tratando de imitar su peculiar sonido. Junto a Mark Knopfler o Pete Townshend, otros solistas como Jeff Beck o Ritchie Blackmore comenzaron sus carreras imitando a The Shadows.2 A pesar de que el grupo nunca fue muy conocido en los Estados Unidos, Frank Zappa lo cita como principal influencia de su primer álbum Mothers of Invention; y Carlos Santana usaba el apodo de «Apache» en sus primeros años porque ésta era una de las primeras canciones que había aprendido a tocar.

 

http://www.youtube.com/watch?v=6n3DqWmKkO0

 

-- Vie Feb 03, 2012 5:04 pm --

 

 

 

Rory Gallagher funda la banda irlandesa Taste en 1965 con tan solo 17 años el formato de power trio y en donde comienza a mostrar su pasión por estilos como el blues y un la música tradicional irlandesa.

Junto con Richard "Charlie" McCraken (bajo) y John Wilson (batería) realiza varias giras tanto por Europa como Estados Unidos. El final de Taste llegará en 1970 tras la actuación de Isle of Wight Festival. Deciden separarse y tras resolver sus diferencias en los tribunales, Rory Gallagher decide iniciar su carrera en solitario.

Aunque al principio de su carrera en solitario tuviese algunos problemas, con su primer disco titulado con su nombre, Rory Gallagher consigue entrar en la lista de UK Top 40. Este primer LP fue editado por la compañía Polydor en 1971 y contenía canciones como “Can't believe it's true†o “Just smileâ€.

El mismo año edita otro LP titulado “Deuceâ€, considerado por muchos fans uno de sus mejores discos. En este disco muestra la genial habilidad con la guitarra, y cabe mencionar dos temas, como “Crest of wave†y “Used to beâ€, donde hace un especial énfasis en esta habilidad.

En 1972 consigue que su nombre figure dentro de la lista de los músicos más relevantes en la escena del blues-rock gracias a su trabajo “Live in Europeâ€.

En 1973 graba dos LP, “Blueprint†y “Tattoâ€

Hay que destacar que entre estos dos últimos años, una vez adquirido el prestigio que le pertenecía, comienza a grabar y codearse musicalmente con algunos de los músicos más reconocidos del panorama del blues y del rock. Uno de los primeros trabajos en esta dirección es la incorporación a la All-Stars-Band The Muddy Waters o la colaboración como músico de estudio para dos discos de Jerry Lee Lewis en 1972 y 1973.

Muddy Waters quedó tan impresionado por el estilo de Rory Gallagher que en 1974 lo volvió a llamar para la colaboración en el álbum de “London Revisitedâ€.

Otro hecho a destacar es el tanteo para que Rory entrase a sustituir a Mick Taylor en los Rolling Stones.

La grabación del directo “Irish tour†en 1974 pone en evidencia que Rory Gallagher pertenece al olimpo de los mejores guitarristas de la historia del rock

Desde este último directo hasta 1982 graba 6 LP más, de los cuales cabe destacar la producción de Roger Glover (bajista de los Deep Purple) en su disco “Calling cardâ€, de 1976.

Tras grabar “Jinx†en 1982, Rory para su cadena de producción, que hasta ahora había sido tan prolífica, y no reaparecerá con un nuevo álbum hasta cinco años más tarde cuando edita “Defender†en 1987.

Tres años después cerrará su lista discográfica con el álbum “Fresh evidence†en 1990.

Este álbum aparece producido por su propio sello discográfico “Capoâ€.

 

Guitarras

Su guitarra más famosa es la Stratocaster Sunbust con el color desgastado. Esta Stratocaster es del 1961 y se cree que fue la primera Stratocaster en entrar en Irlanda.

Rory Gallager la modificó durante los años, llegando a cambiarle tanto los clavijero como el mastil originial.

Fender creo una reedición de la mítica guitarra a partir de la original cedida por el hermano de Rory. http://www.fender.com/es-ES/products/se ... 0150080800 .

También era un gran amante de las guitarras Martin y, según la entrevista ofrecida a “guitar playerâ€, usó una Martin D-35 para la grabación temas como “Pistol Slapper Blues†afinada en D-Drop.

Además se le ve usando una Telecaster especialmente preparada para tocar con Slide ya que el calibre que usa es 013 para la primera cuerda.

 

Amplificadores

Aunque se sepa que Rory Gallagher ha usado amplificadores como el Fender Champ o el Fender Bassman, es difícil imaginar qué hubiera sido de su sonido sin el Vox Ac- 30 que lo caracterizó. Según él, era el mejor amplificador que puedas encontrar en Europa.

 

Muerte

La salud de Gallagher empeoraba, a raíz de un consumo excesivo de alcohol y la combinación de éste con fármacos que le habían prescrito para superar su miedo a volar. Desde finales de la década de los 1980, fue agravando sus problemas de salud, sin embargo, continuó de gira. El 10 de enero de 1995, en los Países Bajos, salió a escena visiblemente enfermo, por lo que meses más tarde fue necesario trasplantarle el hígado. La operación fue un éxito, pero en el postoperatorio, y pocos días antes de ser dado de alta, una infección (SAMR) acabó con su vida en Londres el 14 de junio de 1995. Gallagher nunca se casó y no tenía hijos.

 

[Juanozzy]

Clarence Leonidas Fender:

 

Clarence Leonidas "Leo" Fender (10 de Agosto de 1909 - 21 de Marzo de 1991) fue un inventor estadounidense que fundó Fender Electric Instrument Manufacturing Company, o "Fender" para abreviar. Dejó la compañía a finales de 1960, y más tarde fundó otras dos empresas de instrumentos musicales, MusicMan and G&L Musical Instruments.

 

En la primavera de 1928, se graduó en Fender en Fullerton Union High School, y entró en Fullerton Junior College ese otoño como contador mayor Mientras estaba estudiando para ser contador, continuó aprendiendo electronica por él mismo y arreglo radios ademas de otros aparatos eléctricos, pero nunca tomó ningún tipo de curso de electrónica.

 

Después de la universidad, Fender tomó un trabajo como repartidor Consolidated Ice and Cold Storage Company en Anaheim, donde más tarde se hizo contador. Fue en ese momento en que un director de orquesta local se acercó a Leo, le preguntó si él podía construir un sistema megafónico para el uso de la banda en los bailes de Hollywood. Fender fue contratado para construir seis de estos sistemas de megafonía.

 

En 1933, Fender se conoce a Esther Klosky, y se casaron en 1934. En ese momento, él tomó un trabajo como contable para el Departamento de Carreteras de California en San Luis Obispo. Durante una depresión economica en ese gobierno, su trabajo fue eliminado, y entonces él tomó un trabajo en el departamento de contabilidad de una empresa de neumáticos. Después de trabajar allí seis meses, León perdió su trabajo junto con los otros contadores de la empresa.

 

Fender Radio Service

 

En 1938, con 600 dólares que tomó prestado, Leo y Esther volvieron a Fullerton, y Leo comenzó su propio taller de reparación de radios, "Radio Service Fender". Pronto, los músicos y directores de orquesta comenzaron a llegar a él por sus sistemas PA, que comenzo a construir, vender y alquilar. Sino que también era visitado su tienda para la amplificación de las guitarras acusticas que empezaban a aparecer en la escena musical del sur de California, en las Big Bands, Jazz, y para las guitarras "Lap Steel" cada vez más popular en la música country.

 

Durante la Segunda Guerra Mundial, se reunió Leo Clayton Orr "Doc" Kauffman, un inventor y musico de lap steel, que había trabajado para Rickenbacker, con el que había construido y vendido guitarras lap steel durante una década. Mientras estuvo con Rickenbacker, Kauffman había inventado el cordal "Vibrola", un precursor de lo que sería más tarde conocido como "vibrato" o "tremolo". Fender lo convenció de que se deberían asociarse, y se inició la "K & F Manufacturing Corporation" para diseñar y construir guitarras hawaianas y amplificadores. En 1944, Leo y Doc patentan una guitarra lap steel con un pickup ya patentado por Fender. En 1945, se comenzó a vender la guitarra, en un kit con un amplificador diseñado por Fender.

 

Como las Big Bands cayeron fuera de moda hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, pequeños grupos tocando boogie-woogie, rhythm and blues, western swing y honky-tonk se fueron formado a lo largo de los Estados Unidos. Muchos de estos grupos abrazaron la guitarra eléctrica, ya que podría darle a algunos musicos el poder de una sección de vientos completa. Equipados con guitarras archtops, eran la elección de las bandas de baile de finales de los años 40, pero la creciente popularidad de tabernas y salones de baile habian creado una creciente necesidad de instrumentos más fuertes, baratos y duraderos. Los musicos también necesitaban mangos más rápidos y una mejor entonación para tocar lo que los musicos de Country llamaban "Take off lead guitar". Cuerpos solidos hechos a medida como el "Log" de Les Paul "Registro" y la guitarra "Bigsby Travis" realizada por Paul Bigsby para Merle Travis estaban más allá del musico promedio.

 

Fender reconoció la posibilidad de una guitarra eléctrica que fuera fácil de mantener, ajustar y tocar, y que no sufriera del "feed back" tipico de las Archtop en los salones de baile. En 1949, terminó con el prototipo de una guitarra eléctrica de cuerpo sólido delagada, que fue lanzado por primera vez en 1950 como el nombre de Fender Esquier (con cuerpo sólido y un solo pickup), y renombrado despues Broadcaster y luego Telecaster (con dos pastillas) un año después . Aunque nunca lo admitió, Fender parece haber basado su diseño en la Rickenbacker Bakelite. La Telecaster, que originalmente contaba con dos pickups simples y fue ampliamente utilizado entre los musicos de Country y Western, se convirtió en uno de las más populares guitarras electricas de la historia.

 

-- Sab Feb 04, 2012 8:32 pm --

 

Stratocaster:

En lugar de actualizar la Telecaster, Fender decidió, basado en los comentarios de los clientes, para dejar la Telecaster como estaba y diseñar una nueva guitarra de cuerpo solido elegante que se vendiera junto con la tipicaTelecaster. El guitarrista de western swing Bill Carson fue uno de los principales críticos de la Telecaster, afirmando que el nuevo diseño debia tener cejuelas ajustables individualmente, cuatro o cinco pickups, una unidad de vibrato que permitiera ser utilizada en cualquier dirección y regresar a la afinación apropiada. Ademas de un cuerpo contorneado para mayor comodidad a diferencia de los bordes ásperos de la Telecaster. Fender, asistido por el dibujante Freddie Tavares, comenzó a diseñar la Stratocaster a finales de 1953. Se incluyó un mango redondeado, menos del tipo "Bate" (por lo menos durante el primer año de emisión) y con doble corte en el cuerpo para facilitar el alcance a los registros superiores.

 

Bajo guitarras: Precisión, Jazz

 

Durante este tiempo, Fender también abordó los problemas experimentados por los bajos acústicos dobles, que ya no podían competir por volumen con los otros músicos. Además, los bajos dobles también eran grandes, voluminosos y difíciles de transportar. Con el Precision Bass (o "P-Bass"), lanzado en 1951, Leo Fender logro abordar ambos temas: el Precision Bass Telecaster era pequeño y portátil, su construción de cuerpo sólido y los pickups de bobina simple le ha permitido ser amplificado a un mayor volumen sin feedback. Junto con el Precision Bass (llamado así porque su mango con trastes permitia a los bajistas tocar con 'precisión'), Fender introdujo un amplificador de bajo, el Fender Bassman, un amplificador de 45 vatios con cuatro altavoces de 10 "(aunque en un principio con un altavoz de 15" ).

 

1954, con un rediseño del Precision Bass, coincidiendo con la introducción de la Stratocaster. La incorporación de algunos de los contornos del cuerpo de la Stratocaster, el nuevo diseño también incluye un pickup dividido de bobina simple y un pickguard anodizado de color oro. En 1960, se agrega el diapasón de palisandro, más selecciones de color y un pickguard de tres capas se hizo disponible para el P-Bass.

 

1960 vio el lanzamiento del Jazz Bass, una versión más elegante con un mango más delgado, y un cuerpo más estilizado y dos pastillas de bobina simple (en comparación con el Precision Bass y su pickup humbucker divido que había sido introducido en 1957). Al igual que su predecesor, el Jazz Bass (o simplemente "J-Bass") fue un éxito instantáneo.

 

1970 - Music Man y G & L

 

En la década de 1950, Leo Fender había contraído una infección por estreptococos que causó su salud se deteriore hasta el punto en el que decidió cerrar sus negocios, la venta de la compañía Fender a CBS en 1965. Como parte de este acuerdo, Leo Fender habia firmado una cláusula de no competencia y se mantuvo a un consultor con Fender durante un tiempo. Poco después de la venta de la compañía logra curar de su enfermedad. En 1971 volvió a los negocios y formó la empresa Tri-Sonic. En 1974, la fecha de expiración de la cláusula se termino, el nombre de la empresa fue cambiado a Music Man. En 1975, Leo Fender se convirtió en su presidente.

 

Un instrumento innovador fue el Stingray. Aunque el diseño del cuerpo fue prestado en gran medida del Precision Bass, el Stingray es ampliamente considerado como el bajo de producción por primera vez con electrónica activa. La banda de ecualización activa del Stingray, el pickup humbucker de alto rendimiento y la terminación del mango se convirtió en un favorito de muchos bajistas influyentes, incluyendo a Louis Johnson, John Deacon y Flea. Más tarde, un ecualizador de 3 bandas activa se introdujo. Music Man era un creador activo de amplificadores, pero el HD-130 Reverb, diseñado para competir con el Twin Reverb, llegó en un momento en que los sonidos limpios de la Dumble habian pasando de moda.

 

En 1979 él y viejos amigos como George Fullerton y Dale Hyatt comenzó una nueva empresa llamada G & L (George & Leo) productos musicales. Los diseños de G & L guitarra tiende a inclinarse fuertemente en el aspecto de las guitarras Fender originales, tales como la Stratocaster y Telecaster, pero las innovaciones incorporadas, tales como sistemas mejorados de trémolo y la electrónica.

 

En 1979, Esther Fender esposa muere de cáncer. Se vuelve a casar en 1980, y a pesar de sufrir varios derrames cerebrales menores, Fender continuó produciendo guitarras y bajos. El 21 de marzo de 1991, murió, después de haber sufrido durante mucho tiempo la enfermedad de Parkinson. Sus logros para la "contribuciones de importancia técnica excepcional al campo de la grabación", fueron reconocidos con un Premio Grammy en 2009.

 

[Marcos Ameri]

Muy interesante che, no conocía a la mayor parte de estos guitarristas.

[Frico]

Danny Gatton nació en Washington DC el 4 de septiembre de 1945. Su padre, Daniel W. Gatton Sr., era un guitarrista conocido por su estilo único de percusión, que dejó su carrera musical para criar a su familia en una profesión más estable. Cuando aún era joven, Gatton comenzó a compartir la pasión de su padre por el instrumento.

Danny Gatton comenzó su carrera tocando en grupos cuando todavía era un adolescente. Él comenzó a generar mas interés en la década de 1970, tocando la guitarra y el banjo para el grupo de Liz Meyer & Friends. Se dio a conocer como intérprete en Washington DC, durante la década de 1970 y 1980, tanto como solista y con su "Redneck Jazz Explosion", en donde Frasea con el Virtuoso Pedalero Buddy Emmons sobre un estrecho ritmo del bajo y la bateria que sacó de las influencias del blues, country, rockabilly y bebop. Contribuyó con un cover de "Apricot Brandy", una canción del supergrupo Rhinoceros, en el álbum recopilatorio Rubaiyat 1990 grabado por Elektra Records.

 

-Estilo para Tocar-

Gatton tocaba mezclando estilos musicales como el jazz, el blues y el rockabilly de manera innovadora, y era conocido como Telemaster (un Acronimo del Modelo de Guitarra Telecaster y la Palabra ingles Master que significa Maestro). Tambien fue llamado "El Guitarrista Desconocido mas Grande del Mundo" (the world's greatest unknown guitarist en Ingles). Su apodo más común fue "El más humilde (Humbler), debido a su capacidad de" humilde "o fuera de tiempo cualquiera dispuesto a ir en contra de él en" el corte de caveza ". Fue Amos Garrett, guitarrista de Maria Muldaur, quien apodo a Gatton de "El más humilde". Después de un concierto con éxito, Garrett tomaria una cinta de Gatton y le diria a su banda, "¿Crees que hemos tocado bien esta noche. Tomemos un minuto para escuchar a los humildes-Lizer." Una foto publicada en octubre de 2007 la revista Guitar Player muestra a Gatton tocando frente a un letrero de neón que dice "Las víctimas Buscadas (Victims Wanted)".

Sin embargo, nunca alcanzó el éxito comercial que su talento sin duda merecía. Su álbum de 88 Elmira Street era el favorito para un Premio Grammy 1990 por su canción "Elmira Street Boogie" en la categoría Rock Instrumental Performance, pero fue vencido por Eric Johnson con "Cliffs of Dover".

Sus habilidades eran más apreciados por sus colegas como Eric Clapton, Willie Nelson, Steve Earle, y su ídolo de la infancia Les Paul. Durante su carrera, Gatton apareció en el escenario con héroes de la guitarra como Alvin Lee y Jimmie Vaughan. También hay un rumor acerca de un apócrifo en el escenario "la cabeza de corte" atasco entre Gatton y compañero residente de Washington DC de la zona (y el que tocaba la Telecaster quien también tenía el título de El mas Grande Guitarrista Desconocido) Roy Buchanan. (Gatton había compartido ambientes con Buchanan en Nashville en los años 60 a mediados y se hicieron frecuentes los "socios de interferencia", de acuerdo la revista Guitar Player en la emision de Octubre de 2007 ). En 1993, Gatton fue invitado por el rockero Chris Isaak para grabar pistas de San Isaak CD Días Francisco.

La mayoría, tocaba una Fender Telecaster 1953 (Fender fabrica ahora una réplica de su instrumento muy personalizadas), con Joe Barden pick-ups y los Fender Super 250L, o de acero niquelado (.010 a .046 con un .015 para el G) las cuerdas . Gatton era conocida por usar una botella de cerveza o una taza (todavía medio lleno de cerveza), como Slide, sin tener en cuenta que se derramo por todo el escenario y su guitarra durante una actuación en 1991 en Austin City Limits, siguió esta limpiando la cuello de la guitarra con un trapo, el trapo después la celebración entre los dedos y los trastes, todo el rato tocando a la perfección. En marzo 1989 la revista Guitar Player, dijo que prefería utilizar una botella de Alka Seltzer o un tubo largo vacío 6L6 como Slide, pero que el público le gustó la botella de cerveza. Él, sin embargo, sólo tocaba encima de la cabeza del Slide, citando su formación anterior "steel guitar" [Guitar Player, marzo de 1989]

Él siempre tocaba con una uñeta de jazz estilo lagrima, y era capaz de combinar pasajes intrincados Bluegrass, bebop, y los sonidos de garaje, ejecutadas con una claridad asombrosa y a velocidades vertiginosas. Su técnica de recolección fue una combinación híbrida de púa y dedos, sobre todo sus dedos medio y anular de la mano derecha. La base de su técnica de recolección fue la base de padrones banjo, era un intérprete de banjo consagrado y de que se enteró de la tradicional (estilo Scruggs) Técnica de la derecha. Su puesta al día consistió en una bajada de selección, a continuación, el dedo medio, y luego anular. Su rollo hacia atrás consistió en el dedo medio, y luego una carrera ascendente de selección, a continuación, una selección de bajada. Poseía una guitarra clásica técnica de la mano izquierda, el pulgar por detrás del cuello, preocupada con los dedos arqueados.

También entre sus admiradores son Les Paul, James Burton, Lenny Breau, Joe Bonamassa (a quien Danny mentor cuando Joe tenía once años), Vince Gill, Evan Johns (de "Evan Johns y su H-bombas"), Chris Cheney, Bill Kirchen, Albert Lee, Steve Vai, Buckethead, Arlen Roth, Ricky Skaggs, Slash ("Guns N 'Roses"), y Richie Sambora.

 

El 4 de octubre de 1994, Gatton se encerró en su garaje en Newburg, Maryland y se pegó un tiro. Él no dejo ninguna explicación. En retrospectiva de su suicidio, los cercanos a Danny han sugerido que pudo haber entrado en depresión durante muchos años.

El 10,11 y 12 de Enero del 1995, "Tramps club" en Nueva York organizó un tributo de tres noches a Danny Gatton con decenas de admiradores musicales de Gatton, el aspecto más destacado fue el sueño de un amante de la guitarra de veinte minutos de ver a Les Paul, James Burton y Albert Lee interpretando sus canciones juntos en el escenario. Estas actuaciones (con todos los músicos que actuaron de manera gratuita) recaudó $ 25.000 para la viuda y la hija de Gatton.

 

 

 

Jim Campilongo nació en San Francisco el 8 de julio de 1958. A los 9 años de edad Campilongo descubrió a los Beatles y Jimi Hendrix a través de sus dos hermanas. Él se interesó mucho en la improvisación en una entrevista diciendo: "Yo sabía que me gustaba la improvisación y largos viajes musicales ... así que yo solía comprar discos basados ​​exclusivamente en la duración de las pistas.... Así es como descubrí John Coltrane en vivo en Japón, John McLaughlin, devoción, un par de diferentes álbumes de Cream [1]

Inicios de su carrera

Campilongo comenzó su carrera a mediados de 1970, cuando estudió guitarra en su natal San Francisco con Bunnie Gregoire, quien le enseñó al pre-adolescente a escuchar todo, desde George Van Eps de John Denver . El primer instrumento de Campilongo fue comprado con estampillas verdes . En la escuela secundaria regularmente tocaba con el baterista amigo Ken Owen y a los 17 años comenzó a tocar con bandas de la zona. [2] Una de las mayores influencias de Campilongo en el momento era Roy Buchanan quien vió por lo menos 20 o 30 veces en el área de la Bahía. [3 ]

Carrera

Campilongo comenzó su carrera discográfica en San Francisco en 1996 con Jim Campilongo y los 10 gatos galones. [4] Después de varios años de tocar con los gatos Campilongo hizo un giro para seguir una nueva dirección con su música y llegó a la cúspide creativa nueva con 1998 de la Tabla A Una.

En 2002, Campilongo salió de San Francisco y se trasladó a Nueva York , donde formó su trío eléctrico, que recorrió Europa y los países escandinavos y grabó el aclamado álbum de América en los expedientes de gallina azul. [4] En 2003 formó el grupo Campilongo The Little Willies con Norah Jones , Richard Julian, Alexander Lee y Dan Rieser. Se ha presentado, en vivo y en estudio, con artistas como Cake , los Bright Eyes y JJ Cale , Norah Jones, Teddy Thompson , Anderson Al , Gillian Welch / David Rawlings , Peter Rowan , Williamson Jo, Ozell Soleado, Carino Marilyn y Julia Darling.

Campilongo mantiene una residencia en The Living Room en el Lower East Side de Nueva York donde toca casi todos los lunes por la noche. Los artistas notables que se han unido a él en el escenario de la sala de estar incluyen: Charlie Hunter , Steve Cárdenas, Norah Jones , Adam Levy , Martha Wainwright, Chris Cheek , Siegel Lea, y Nels Cline .

La música original de Jim Campilongo se puede escuchar en los comerciales nacionales, incluidas las de National Grid, Volkswagen , SBC, Michelin y la de Jack Daniel . Campilongo también es profesor de guitarra publicado y editor colaborador de la revista Guitar Player .

En enero de 2011, Jim Campilongo fue nominado para la 10 ª Premios de la Música Independiente en la categoría de canción instrumental "Horrible Bastante, bastante horrible". [7]

 

[Martin40]

Buchanan en lo mas, me lo hizo escuchar mi viejo hace 20 años.Un tipo malogrado, desconocido, que termino ahorcado en un celda de comisaria luego de una borrachera. Aparte sus letras tienen un alto contenido religioso, se lo puede llamar rock cristiano?

Hace poco vi un videito donde estaban todas sus telecas en venta.

[Paul]

Andrew James Summers (31 de diciembre de 1942), mejor conocido como Andy Summers, músico y compositor nacido en Poulton-le-Fylde, Lancashire, Inglaterra, conocido internacionalmente por ser el guitarrista de la mítica banda The Police.

 

Una década más veterano que sus compañeros de grupo, Andrew James Summers nació en Poulton-le-Fylde, Lancashire, Inglaterra, el 31 de diciembre de 1942. Obsesionado con la guitarra y el piano, dejó los estudios temprano para trabajar en una tienda de música y actuar entre escenarios en "The Blue Note jazz club". Allí se encontró con Zoot Money, un teclista de su escuela, quien asentó con Andy los principios de "Zoot Money´s big roll band" en 1961. Empezando en "The Flamingo" en Londres, durante 1963 la "Zoot Money´s big roll band" actuó en 10 conciertos a la semana a 400 libras la pieza. A pesar de que tenían un single de éxito con "Big Time Operator", la gloria los eludió. Adoptando el nuevo nombre de "Dantalion´s Chariot" en 1967, tuvieron un accidente en el cual Andy resultó herido. Andy, siguió su camino realizando actuaciones con "Soft Machine" y "The New Animals", pero no tuvieron éxito, por iniciativa propia, Andy tomó y dio clases de guitarra clásica y se casó con la cantante Robin Lane, a pesar de su penosa situación económica. Poco después, se divorciaron y Andy cayó en una gran depresión, raramente abandonó su cama en periodo de varias semanas. Después de recoger una guitarra eléctrica, encontró una nueva ambición para triunfar y llegar a ser "a supreme musician". Retornando a Inglaterra en 1971, Andy se recuperó por completo y alquiló sus destrezas musicales a otros músicos, entre ellos Neil Sedaka. A pesar de la bonita cantidad de dinero que le ofrecía Kevin Ayers (anteriormente de "Soft Machine"), se unió a "Strontium 90" de Mike Howlett (ex-bajista de "Gong"), durante las sesiones de grabación de ese disco, que no vería la luz sino hasta 20 años después, conoció a Sting y a Stewart Copeland, en 1977.

 

Sting y Copeland tenían un grupo llamado The Police, junto con Henri Padovani, dicho grupo, en ese momento liderado por Copeland, estaba enfocado a la corriente punk de moda por aquel entonces. Andy pertenecía a la llamada "generación enemiga" por parte de los punk. Por un lado Andy era ya un experimentado músico de sesión y Henri Padovani apenas comenzaba en la música, por lo mismo no tenía dominio de su instrumento. Lo mismo comenzaría a generar problemas entre Summers y Padovani, finalmente, tras una discusión respecto de quién debía usar el mejor amplificador y luego que Andy hablara con Sting y Copeland, deciden que Padovani no podía seguir (pese a la duda de Copeland, para quien Henri cumplía con lo necesario para la estética punk). Pero en Andy, Sting encontró lo que necesitaba para expandirse a nivel musical, compartían influencias y gustos musicales. Así quedó conformado The Police, con la formación que los llevaría a la fama. Publicó 5 álbumes con The Police Outlandos D’Amour(1978), Reggatta de Blanc (1979), Zenyatta Mondatta (1980), Ghost in the Machine (1981) y Synchronicity (1983). Con este último disco, Summers y The Police participaron de una impresionante gira mundial, que les permitió tocar en el Shea Stadium ante más de 70.000 personas. En 1984 la banda se separó, retomando proyectos personales. Summers colaboraría de aquí en adelante con bandas de jazz y rock progresivo. También se le recuerda mucho por colaborar con Gustavo Cerati, conocido fan de The Police; en un cover de "Bring on the night" que en español se llamaría "Traeme la noche", para un disco homenaje a The Police.

 

En el 2007 Summers se presenta con The Police después de 23 años en los Premios Grammy, con lo cual la banda inglesa se iría de gira mundial hasta el 2008, cuando deciden retomar sus proyectos personales.

 

http://www.youtube.com/watch?v=C8MS6dbV-ps

[Frico]

Robin Trower es un virtuoso guitarrista que comenzó su carrera en la década de los '60, siendo considerado, entre muchos otros colegas por Zakk Wylde, como uno de los mayores exponentes de la guitarra eléctrica moderna, produciendo canciones memorables como "Bridge Of Sighs", "Too rolling stoned", "Go my way", "Somebody calling" o "Daydream". Trower, ha sido referencia para varias generaciones de guitarristas en el mundo del rock y del blues, destacando su uso de la distorsión, y su estilo hendrixiano de interpretación. Pese al reconocimiento de colegas y de la prensa especializada, no ha alcanzado grandes niveles de popularidad, incluso habiendo integrado Procol Harum hasta 1972 grabando álbumes de amplia aceptación, como A Salty Dog. Trower, quien ha influenciado a músicos como Robert Fripp, Eddie Van Halen, Eric Gales y Michael Katon, cuenta con un modelo especial de Fender Custom Shop Stratocaster.

 

[nitefly]

David Gilmour, CBE (Cambridge, Inglaterra, 6 de marzo de 1946) es un influyente músico inglés conocido por ser el vocalista, guitarrista y compositor junto a Roger Waters de la banda inglesa de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett. Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en ONGs a lo largo de su carrera. En el año 2003 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico.

 

 

Con la #0001

 

 

 

 

 

Con la black strat de siempre

 

 

 

 

Hasta con una tele!

 

 

info de violas: http://www.gilmourish.com/ (el must de cada Gilmour fan)

[Frico]

Ronnie Earl (nacido Ronald Horvath, 10 de marzo de 1953) es un guitarrista de blues, jazz y soul estadounidense. Su fraseo y su forma de ejecución, elegante y sentida, mezclando el sonido del blues (principalmente con el estilo de Chicago y Texas) con improvisaciones propias del jazz, le sitúan como uno de los grandes instrumentistas actuales del blues.

La relación de Earl con la música pudo iniciarse temprano (sus padres intentaron que aprendiera piano con diez años), pero la disciplina exigida por el aprendizaje le repelía. Hasta diez años más tarde, durante su estancia en la Universidad de Boston, no mostraría un serio interés por la música, que en esta ocasión vendría dado por el blues.

En 1973, estando en tercer año de carrera universitaria, tuvo ocasión de escuchar a Muddy Waters en un club de la ciudad. Compró una guitarra acústica, que inmediatamente cambió por una Fender Stratocaster, e inició una intensa práctica que le llevó a dominar el instrumento en un tiempo relativamente corto.

Tras su diplomatura en Educación y Educación especial pasó un tiempo trabajando con niños con necesidades especiales; pero el blues se había convertido en su pasión. Su primer trabajo profesional, aún con su nombre original, fue en la sección rítmica de The Speakeasy. Empezó a frecuentar a los grandes bluesmen que llegaban a Boston (cuando estaban en la ciudad, compartía apartamento con Otis Rush y Big Walter Horton). También viajó a Chicago, donde pasó un tiempo con Koko Taylor, que le introdujo en el ambiente del blues local.

En 1978 pidió una excedencia en su trabajo y viajó al sur junto a Johnny Nicholas; visitaron los clubes de Atlanta y Nueva Orleans, y recalaron en Austin (Texas), donde Ronnie trabó una importante amistad con Kim Wilson y Jimmie Vaughan, de The Fabulous Thunderbirds. Al regreso de este viaje, Earl fue consciente de que no podía seguir compaginando el rigor de la enseñanza con su naciente carrera musical, y abandonó la primera. En 1979 fue guitarra rítmica en la única grabación del grupo Guitar Johnny & the Rhythm Rockers, liderado por Nicholas, y en el primer disco de Sugar Ray & the Blue Tones, liderado por el armonicista Sugar Ray Norcia. Esa fue la época de su cambio de nombre: compartía escenario con Muddy Waters y, dado que este no atinaba a pronunciar correctamente su apellido cuando le llamaba al escenario o lo presentaba, decidió cambiar Horvath por Earl en honor a su admirado Earl Hooker.

Roomful of Blues

En 1979, Earl fue invitado a unirse al grupo Roomful of Blues en sustitución de Duke Robillard, fundador del mismo. El jump blues revivalista practicado por el conjunto precisaba de cierta sensibilidad jazzística a la vez que de un intenso sentido del blues, y pareció encontrar ambas virtudes en Earl.

Comienza así una colaboración de ocho años (1979-1987) . Pero estos años significarían mucho más en la vida de Earl. En el campo profesional, el reconocimiento a nivel nacional como brillante guitarrista se une a una escalada creativa que, como compositor, le llevará a la necesidad de encontrar cauces para expresar su música con voz propia. En lo personal, el inicio de un historial de abuso de alcohol y drogas se añadirá a graves crisis depresivas y marcará los siguientes veinte años de su vida. Las giras prolongadas y el entorno en que se desenvuelven los músicos durante las mismas no hacen sino aumentar las tendencias adictivas del guitarrista, y las adicciones agravan su depresión. En sus propias palabras: "Lo que te encuentras muchas veces son alcohólicos y adictos que tratan su depresión con esas sustancias nocivas. Es lo que me pasó a mí: traté mi depresión con cocaína, aunque empecé por la marihuana".

Mientras Roomful of Blues seguía acumulando éxitos como conjunto (su sección de viento fue reclamada para tocar con Stevie Ray Vaughan en su "Live at the Carnegie Hall" (1984), y la banda en pleno estaba en una gira constante de costa a costa de EE.UU.), sus componentes iban sufriendo las consecuencias de un ritmo tan intenso. Corría el año 1987, y la enfermedad y el agotamiento provocaban bajas; un caso notable fue el del saxo tenor Greg Piccolo, líder de facto del grupo desde la marcha de Robillard. En cuanto a Earl, sus adicciones se iban agravando a la vez que se desarrollaba un grave estado depresivo que no sería diagnosticado hasta unos años después. Pero musicalmente, fue el momento decisivo: a finales de 1987 dejaba definitivamente Roomful of Blues.

En 1988 Earl formó oficialmente the Broadcasters con intención de continuidad. El grupo tomó el nombre de la primera guitarra fabricada por Fender. Entre uno y otro disco, Earl había aceptado y enfrentado sus problemas con el alcohol y la cocaína, y empezaba a replantearse seriamente un camino musical que había ido madurando con el tiempo. Los premios, las actuaciones y la atención mediática conseguida, le permiten firmar contrato con un sello importante, Verve, en el cual debuta en 1997 con la grabación de "The colour of love": vende más de 65.000 copias y se convierte en uno de los mayores éxitos en la carrera de Earl; musicalmente, supone un paso más en dirección a los sonidos de jazz e instrumentales (solo uno de sus once temas tiene letra: 'Everyday kinda man', cantado por Gregg Allman. Ese mismo año le conceden el primero de sus dos premios W.C. Handy ( Blues Music Awards a partir de 2006) como mejor instrumentista de blues; el siguiente lo ganó en 1999.

En lo personal, en cambio, la situación no acompañaba al éxito profesional. Puede decirse que esa época fue el segundo momento decisivo en la vida privada de Earl. Como él mismo dice:

Sobre esta época, mi mujer me dijo: "Quiero cultivar un jardín, recuperar la apariencia de una vida real y dejar la carretera. Además, yo estaba exhausto, peleando contra la diabetes y la depresión, así que estaba quemado; tanto física como mentalmente".

Lo que Earl describe aquí someramente es una grave crisis vital y psicológica que se traducirá en la ruptura con el sello Verve y la disolución de the Broadcasters. Y, en su vida posterior, en temporadas de inactividad y reclusión,un alejamiento de las grades giras, y lo que ha sido la tónica general en la carrera de Earl desde esas fechas: la limitación de sus apariciones en directo a lugares de poco aforo en localidades a corta distancia de su domicilio, en Nueva Inglaterra.

 

http://www.youtube.com/watch?v=ePyTF99BQJI&feature=related

[Picachu]

Q bueno, Ronnie Earl, me encanto. Creo que encontre mi estilo. :D JA!

[Frico]

Q bueno, Ronnie Earl, me encanto. Creo que encontre mi estilo. :D JA!

 

:wink:

[charango]

:D que buena info,para tener en cuenta...gracias

[Shred95]

Buddy Guy (Nació el 30 de julio de 1936, en Louisiana, Estados Unidos) Es un guitarrista y vocalista de blues. Es aclamado por la crítica por ser un pionero del Chicago blues y un influyente músico para muchos artistas, como Eric Clapton, Jimi Hendrix o Stevie Ray Vaughan. Además es famoso por sus extraordinarias actuaciones, en las que toca su guitarra de formas poco convencionales o se pasea entre el público tocando solos. Es considerado el 30 mejor guitarrista según la revista Rolling Stone.

Su verdadero Nombre es George Guy, de pequeño se fabricó un arco de diddley de dos cuerdas, un instrumento originario de Ãfrica. Con este rudimentario instrumento aprendió a tocar la guitarra. Mas tarde, le regalaron su primera guitarra, la cual décadas mas tarde donó al Salón de la Fama del Rock & Roll.

A comienzos de los 50 comenzó a tocar en bandas de Baton Rouge, capital de Louisiana. Al poco tiempo se traslada a Chicago, en 1957, donde es influenciado musicalmente por Muddy Waters. En 1958, en una competición de guitarristas consiguió un contrato de grabación, con Cobra Records.

Muddy Waters asiste a una de sus actuaciones, le sorprende su manera de tocar y lo invita a colaborar con él, a lo que Buddy acepta.