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Charly Lucena

Llegó la hora de grabar - Guía completa de procesos

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HABLEMOS EN SERIO

 

Los músicos necesitan tener su trabajo grabado para difundirse y llegar a quienes gustan de su propuesta.

 

Para tal fin, generalmente buscan un estudio de grabación y de ese modo intentan hacer realidad sus proyectos.

 

Pero (siempre hay un pero), la mayoría de las veces, estos mismos músicos, no saben (y es lógico no saber eso cuando uno hace algo por primera vez) establecer un verdadero orden de prioridades a la hora de la elección y terminan encontrándose con:

 

 

 

-Gente sin experiencia comprobable (pero que suele venderse como lo contrario)

 

-Gente con escasos conocimientos musicales

 

-Gente interesada sólo en el dinero

 

-Inescrupulosos que se aprovechan del poco conocimiento técnico de algunos músicos jóvenes (y no tanto).

 

-Gente que sólo sigue un libro y un molde (sin importarle que cada artista representa una historia diferente)

 

-Gente mala onda que en realidad, ve a los músicos como enemigos y pretenden que éstos siempre le faciliten el trabajo

 

-Despachadores de horas reloj

 

-Egoístas que esconden información valiosa impidiendo de ese modo, que los músicos puedan trabajar cada vez mejor

 

-Egocéntricos o celosos que no colaboran en nada y sólo ponen palos en la rueda

 

 

Si alguna vez te sucedió algo de esto, es bueno que leas este informe. Si nunca grabaste hasta ahora o querés aprender un poco más, también te va a servir. 

 

Es hora de sincerar el papel de cada participante en el mundo de la música.

 

 

 

 

 

Parte 1 -PARA QUE???

 

Cuando uno decide grabar su música, lo primero que debe preguntarse es «Para qué lo hago»???

Las auto respuestas pueden variar con cada caso, pero podríamos sintetizarlas en ciertos aspectos muy fáciles de entender, aún por cualquier persona que no se dedique a la música

1- Quiero llegar a más gente y que puedan llevar mi música a sus casas

 

2- Necesito difundir mi proyecto

 

3- Necesito aprender cada vez más acerca del proceso de como se plasma mi música en grabaciones, para poder mejorar a medida que adquiero experiencia (con buenas experiencias)

 

4- Quiero reunir toda la música que representa una etapa específica de mi carrera en una grabación

 

5- Simplemente me gusta grabar, aunque no tenga más pretensiones que esa.

 

 

 

 

Parte 2 - DEMO, EP o ALBUM???

 

Todas las bandas y solistas necesitan un demo (entre muchas otras cosas que ahora no vienen al caso) que suene decentemente. Pero es un demo. Por lo tanto debemos encararlo como tal, sabiendo que, a pesar de ser relativamente costoso, no estamos (en una primera etapa) obligados a grabar la mejor producción que podamos lograr ni rindiendo un exámen a otros músicos. Simplemente se trata de un demo (que hoy seguramente llegará a sonar casi como una producción final, gracias a la tecnología actual) que nos va a permitir mostrar nuestro trabajo, buscar shows en vivo y presentarnos ante la gente que nos puede hacer llegar un poco más lejos del lugar en el cual estamos.

 

No es necesario que una banda que apenas tiene unos meses de formada grabe un álbum. Con tres o cuatro canciones debería alcanzar y sobrar.

 

Generalmente este demo conviene grabarlo luego de haber hecho algunas maquetas caseras o en salas de ensayo, porque eso nos va a permitir conocer a fondo el material que vamos a incluir.

 

 

Las bandas que ya estén tocando para un público de gente desconocida (no sólo amigos y familiares), que lleven cierto tiempo en el circuito, con una buena cantidad de shows en su haber y hayan comprobado el interés de la gente en lo que hacen (muy probablemente gracias al demo del cual hablábamos anteriormente), pueden encarar sin temores la grabación de algo más serio que reúna un buen número de canciones.

 

La decisión de grabar un ep o un álbum puede obedecer a cuestiones artísticas, presupuestarias o de tomar conciencia de cuánto tiempo libre tiene el público, en su vida cotidiana, para escuchar un disco entero de una nueva banda.

 

Cuando la gente pide o reclama un álbum, hay que darle el gusto. Pero antes de eso hay que actuar con mucha cautela y sentido común.

 

 

 

 

Parte 3 - ELECCION DEL ESTUDIO DE GRABACION

 

Hay bandas que sólo buscan estudios equipados a full, muy costosos, e incluso, piensan que ese detalle va a mejorar lo que vayan a grabar.

 

Permítanme decirles que no es asi. Las grabaciones deben sonar bien, pero no deben ser mentirosas a la hora de mostrar la identidad propia de cada artista. Y es muy complicado invertir demasiado dinero en algo que no sabemos si se va a vender (al menos no lo sabemos mientras lo grabamos)

 

Si nuestro camino va por el lado de la música, son muchas las producciones que vamos a grabar en nuestra vida. Seamos sensatos y busquemos con mucha cautela lo mejor para cada ocasión, sin dejar un riñón en el intento y teniendo siempre presente que lo más importante de cada grabación es nuestra música y como la interpretemos. Nada más que eso.

 

Más caro no es mejor, porque no se pueden garantizar resultados satisfactorios sólo con fierros impresionantes e inalcanzables.

 

La mayoría de las personas que trabajamos grabando música, solemos gastar muchísimo dinero en gear de estudio, por una cuestión de gusto y el famoso síndrome de adquisición de equipamiento, pero sabemos certeramente que podríamos obtener resultado maravillosos con apenas un cuarto de ese equipamiento.

 

Recuerden que no es saludable grabar en un lugar que traslade sus costos de gear a los músicos mediante el cobro de precios astronómicos. El resultado de una grabación no depende de ello.

 

Para que la música pueda continuar, uno de aspectos fundamentales a tener en cuenta es:

 

REDUCIR LOS COSTOS.

 

Para ejemplificar la importancia de esta afirmación, es bueno saber que, por ejemplo, no hay micrófonos de estudio de condensador realmente malos. Todos, desde el más económico de ellos, permiten obtener buenas tomas. Obviamente hay intermedios y mucho mejores (también muchísimo más caros), pero ninguno es malo. Si un micrófono suena pésimo significa que A) está descompuesto o B) lo que está tomando no está bien tocado o tratado. Anoten este ejemplo en la lista y apliquenlo a cada elemento del gear de un estudio.

 

La mayoría de los discos clásicos que casi todos los músicos amamos, fueron grabados como se pudo en ese momento, con muy pocos canales y utilizando elementos que hoy, muchos dejarían de lado. Actualmente tenemos a nuestra disposición, en casi cualquier lugar, una tecnología de grabación (captación de sonidos y volcado de contenido en proyectos) que ni siquiera esos técnicos que grababan los discos amados podían haber soñado.

 

 

 

 

Parte 4 - EL BACKLINE

 

Existen instrumentos y amplificadores de diversas gamas, para principiantes, de gama media o de gama alta y mucho se habló sobre cuál es realmente necesario para usar en una grabación.

 

Como respuesta, podemos remitirnos simplemente a que debemos usar instrumentos que suenen bien, afinen perfectamente, nos resulten cómodos y conozcamos en detalle.

 

Traten siempre de usar (si los poseen y están en condiciones óptimas), los mismos instrumentos, efectos y equipos que utilizan en sus ensayos o shows. No se dejen apabullar por la vidriera que un estudio puede ofrecer (en un estudio siempre hay muchos instrumentos), porque no vamos al lugar a probar gear, lo que vamos a hacer es simplemente grabar nuestra música. Y tiene que estar tocada con cosas que conocemos y estamos acostumbrados a usar.

 

Si el estudio tiene algo que funciona mejor que lo que ya tenemos (y no lo cobra aparte!!!), podemos elegirlo, siempre y cuando nos resulte tan cómodo como nuestro propio instrumento.

 

Nunca sientan vergüenza del equipamiento que usan o poseen. Sólo ocupense de mantenerlo en condiciones.

 

Un buen técnico y un buen productor artístico saben (estan obligados a saber, en realidad) como sacarle el jugo a cualquier recurso disponible a la hora de grabar.

 

 

 

 

Parte 5 - PRE PRODUCCION

 

Importantísimo paso si queremos que las cosas salgan bien.

No sirve de nada contratar un estudio y mandarse directamente el primer día a grabar, sin preparación.

 

Tiene que haber charlas o reuniones previas con el productor (y si es posible con el técnico). Un buen productor les va a pedir escuchar ensayos o asistir a alguno o los va a hacer grabar maquetas r+apidas para conocer el material de antemano. Es lo que corresponde.

 

Antes de grabar tiene que haber certeza de que no falta nada para llevar a cabo la producción, ya sea equipamiento, calendario de horarios y es en las reuniones de preproducción en donde van a poder conocer el precio total final del trabajo (es muy bueno trabajar sabiendo cuál es el máximo que se va a pagar por trabajo terminado, traten siempre de conocer ese dato).

 

El productor debería explicar cuales son los pasos y el orden de las sesiones, además (una vez grabadas las bases, esto último puede ir variando, pero siempre es bueno que ambas partes conozcan las disponibilidades horarias).

 

Una vez realizada la preproducción y elegidos los temas es hora de mandarse directamente a grabar (luego de haber ensayado convenientemente ya pensando en la grabación, por favor).

 

 

 

 

Parte 6 - GRABACION

 

Dependiendo de lo que se haya combinado en la preproducción, las grabaciones deberían ser apenas trámites bien específicos y no sesiones de tortura como muchas veces sucede por diversos motivos.

 

Generalmente se combina una primera sesión para grabación de bases (principalmente baterías) en la cual los otros músicos (o algunos de ellos) le dan referencia de otros sonidos al baterista, para luego continuar con los overdubs (sobregrabaciones) de los demás instrumentos hasta llegar a la edición de audio y la mezcla.

 

No hay una manera standard de hacer esto, el baterista puede pedir que toque toda la banda en la primera sesión o bien sólo guitarras base y alguna voz, a lo cual se puede sumar el bajo, pero es normal que cada músico quiera tener una sesión para dedicarse específicamente a su instrumento con posterioridad al primer día.

 

Yo no aconsejo las sesiones maratónicas porque queman la cabeza de todo el mundo. Lo ideal (si se trata de un album) seria ocupar entre 5 y 8 horas para las baterías y resolver los overdubs en sesiones de dos o tres horas nomás.

 

Por supuesto, también existe la posibilidad de que todos los músicos graben en una toma, tocando al mismo tiempo (si el lugar es adecuado), pero en la actualidad, son muy pocas las bandas que pueden hacer esto (sobre todo las emergentes), porque eso requeriría un conocimiento exhaustivo del material y el triple de ensayo de lo normal. Está comprobado.

 

Es el técnico, técnico/productor o productor junto a los músicos quien debe extremar los recaudos para tener disponible todo lo necesario el día de cada grabación.

 

Cuidense de los técnicos experimentadores que usan cuarenta micrófonos por toma, porque lo más probable no es que lo hagan porque tengan abundancia de los mismos, sino que no sepan en realidad cuál va a funcionar mejor. Y eso es peligroso.

 

Grabar bien lleva tiempo (y combinar los horarios es el principal determinante de esto), por lo tanto no hagan las cosas apuradas, porque no van a salir bien de ese modo. es un proceso que requiere ir madurando mientras se realiza.

 

 

 

 

Parte 7 - EDICION DE AUDIO

 

Si las tomas plasmadas presentan errores de ejecución (los más normales son problemas de tempo y desafinaciones vocales), el trabajo de corrección (edición), debe realizarlo el técnico o productor antes de comenzar la mezcla.

 

Hay gente que apenas edita algunas cosas y otra que se dedica a la edición realmente avanzada (y no por eso cobran más caro). Ahí la elección depende de ustedes.

 

Para realizar la edición (paso importantísimo) es muy conveniente que quien la lleva a cabo sea músico, con un muy avanzado sentido del tempo y un «oído» privilegiado. Esa en realidad es la única garantía de éxito, porque es quien debe ordenar lo que se va a mezclar luego.

 

 

 

 

Parte 8 - LA MEZCLA

 

Una vez realizada la edición, llega el momento de la mezcla.

 

Lo ideal es mezclar solamente un tema por día, en unas cuatro o cinco horas por canción, porque el oído se satura y muchas cosas que creemos escuchar bien, en realidad no lo estan cuando se trabaja en más de un tema.

 

En primer lugar es bueno decidir con el técnico/productor el sonido final de cada instrumento, para que luego eso sea aplicado a toda la producción.

 

Para la elección de los sonidos los músicos deben estar presentes, pero el trabajo mas duro puede ser realizado sólo por el técnico de mezcla (enviando muestras durante el avance para que los músicos aprueben o hagan sus sugerencias).

 

Lo mejor es mezclar pensando en el mastering (alguien con experiencia puede hacerlo), más allá de si se masteriza en el mismo lugar en el cual se grabó o en un sitio externo.

 

 

 

 

Parte 9 - LA MASTERIZACION FINAL

 

El mastering consiste en la aplicación de determinados procesos a los archivos stereo ya mezclados, para empatar volúmenes entre los temas, ordenar los mismos y lograr el producto final.

 

Hay estudios que graban, mezclan y masterizan, incluyendo todos los procesos en su precio global (una de las opciones más cómodas y seguras), como así también hay estudios sólo dedicados al mastering que suelen «dar chapa» a un trabajo, pero como contra, resultan excesivamente costosos (algunos cobran tanto casi como grabar un ep cpmpleto en otro lugar).

 

Recordemos una vez más que lo que debe darnos prestigio es la música que tocamos y cómo lo hacemos y no las cosas que usamos, ni el estudio ni los nombres de los participantes externos a la banda. 

 

El técnico y productor «invisibles» resultan lo más aconsejable.

 

 

 

 

Parte 10 - QUE HACEMOS CON LO QUE GRABAMOS???

 

DESARROLLO ARTISTICO

 

 

Esta es una nómina de las cosas que se pueden hacer, según las pretensiones de cada uno, luego de grabar una producción:

 

 

 

-Difundir en redes e internet (algunos productores ofrecen el trabajo total de grabación y hasta la subida del material a sitios de streaming sin cobrar de manera adicional)

 

-Tratar de interesar a una compañía para editar un disco físico a la venta

 

-Realizar una tirada independiente con la misma modalidad de un disco editado por un sello

 

-Realizar tiradas caseras (discos no oficiales)

 

 

 

Todo serviría para estar en el camino. Depende de cada uno la elección.

 

Una banda o solista que desea dedicarse a la música profesionalmente debería contar con los siguientes recursos disponibles para llevar adelante su proyecto:

 

 

-Productor artístico (que a veces hasta realiza coaching en ensayos)

 

-Técnico de grabación

 

-Sello discográfico o recursos para editar independientemente

 

-Agente de prensa (para comunicar ediciones o shows y conseguir notas)

 

-Material periodístico (gacetillas informativas)

 

-Fotos

 

-Videos para difusión

 

-Asistentes (conviene empezar a buscarlos al principio)

 

-Operador de sonido (que conozca el material)

 

-Manager (para conseguir shows) (el manager busca y encuentra a la banda -cuando está expuesta- y no al revés)

 

-Agencia de representación (en muchos casos ésta es la que asigna un manager)

 

 

 

Cuando las cosas ya funcionan, entran a jugar nuevos participantes, como manager de giras, stage managers, iluminadores, managers personales y varios etcéteras.

 

 

 

 

Esta es una guía sencilla, realizada con términos no técnicos que intentan ser comprensibles y no signifiquen una traba a la hora de adquirir conocimiento.

 

Cualquier duda puntual, pueden plasmarla aquí, asi vamos agregando aclaraciones si son necesarias.

 

Buenas grabaciones para todos!!!!
Edited by Charly Lucena

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Charly, estando en proceso de grabación, próximo a edición y mezcla, realmente me encantó lo que redactaste. Claro, sencillo, y sobre todas las cosas, real.

 

Agregaría en la edición de audio NO dejar que te llenen la cabeza con el "luego afino esos coros, no lo grabemos de vuelta", "el tempo podemos arreglarlo después", "esa viola la acomodo", porque con las correcciones digitales nos olvidamos del feeling y creo que se nota al final. Si bien es bueno corregir, no es bueno tapar ni emparchar. Más vale grabar 3 veces las cosas y elegir, que grabar una sola y esperar que hagan magia.

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Un genio.. muchas gracias! Nosotros nos pusimos a grabar un EP bien hecho en casa, aplicando los conocimientos y la oreja de todos, y los equipos que tenemos. Ayer justamente arrancamos con la grabación de las baterias (usamos dos sm57 en sn y hh.. un e602 en bb y como overhead un grabadorcito zoom H1.. directo a mi Focusrite usando Cubase, usando una sala de ensayo prestada de un amigo, que suena genial!)... hoy estuve todo el día editando y dandole el make up.. tengo la oreja quemada.. pero todo con amor! ..y creo que los resultados estan siendo mas que aceptables.  Que se yo, hay formas de hacer las cosas, pero creo que si uno realmente le pone empeño y dedicación se puede.

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Muy bueno.

 

Sobre todo el apartado de "reducir costos". Creo que es un error muy comun de las bandas tratar de pagar estudios muy caros, en donde ese costo no va de la manocon el resultado final.

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Charly, estando en proceso de grabación, próximo a edición y mezcla, realmente me encantó lo que redactaste. Claro, sencillo, y sobre todas las cosas, real.

 

Agregaría en la edición de audio NO dejar que te llenen la cabeza con el "luego afino esos coros, no lo grabemos de vuelta", "el tempo podemos arreglarlo después", "esa viola la acomodo", porque con las correcciones digitales nos olvidamos del feeling y creo que se nota al final. Si bien es bueno corregir, no es bueno tapar ni emparchar. Más vale grabar 3 veces las cosas y elegir, que grabar una sola y esperar que hagan magia.

 

@@serruchero Es como decis y no sólo con la edición. Hay que intentar que las cosas suenen bien al ser grabadas, bien ecualizadas. Sabemos que la batería es uno de los items que sufre más modificaciones posteriores, pero todo lo demás debería poder ser ecualizado antes de entrar en el soporte de grabación (aunque luego haya modificaciones generales en la mezcla)

 

Eso si, es aconsejable hacer dos o tres tomas y, si las cosas no salen bien a pesar de la reiteración de tomas (suele suceder), ahi si dejarlo para la edición. Lo inconcebible es que queden mal en el producto final!!! jaja

 

 

 

Un genio.. muchas gracias! Nosotros nos pusimos a grabar un EP bien hecho en casa, aplicando los conocimientos y la oreja de todos, y los equipos que tenemos. Ayer justamente arrancamos con la grabación de las baterias (usamos dos sm57 en sn y hh.. un e602 en bb y como overhead un grabadorcito zoom H1.. directo a mi Focusrite usando Cubase, usando una sala de ensayo prestada de un amigo, que suena genial!)... hoy estuve todo el día editando y dandole el make up.. tengo la oreja quemada.. pero todo con amor! ..y creo que los resultados estan siendo mas que aceptables.  Que se yo, hay formas de hacer las cosas, pero creo que si uno realmente le pone empeño y dedicación se puede.

 

Todo se puede @@Matias Carpio!!!!

 

Hoy en día se va generalizando cada vez más que las bandas graben de manera casera y luego envíen los archivos a alguien experimentado para hacer la mezcla y la masterización. Es un gran ahorro de dinero!!! Y se tiene la seguridad de que, quien hace la mezcla no está probando, sino trabajando por la producción.

Edited by Charly Lucena

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Todo se puede @@Matias Carpio!!!!

 

Hoy en día se va generalizando cada vez más que las bandas graben de manera casera y luego envíen los archivos a alguien experimentado para hacer la mezcla y la masterización. Es un gran ahorro de dinero!!! Y se tiene la seguridad de que, quien hace la mezcla no está probando, sino trabajando por la producción.

 

La verdad es que es un placer enorme poder hacer tu música de esta manera.. con el esfuerzo que conlleva. Muchas gracias por la data que siempre subis! Un abrazo grande.

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Tiene que estar en lo mejor del musiquiatra. Muy completo Gracias @@Charly Lucena

Adhiero. No sorprende viniendo de vos charly, aunque no por eso no deba ser reconocido.

 

Mil gracias!

 

Enviado desde mi SM-G530M mediante Tapatalk

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Charly está buena la guía pero hay varios elementos que ya están obsoletos, por ejemplo, editar un disco físico. La mayoría de los que oyen bandas de rock (lo tomo en general) aún hoy en día lo hacen por dos medios: YouTube o Spotify (y derivados). Con esto quiero decir que si se pretende tener llegada, la digitalización de la música tiene que ser un paso fundamental porque son las reglas del mercado actual (al menos en lo que refiere a la música de rock en nuestro país). 

Por otra parte tu post idealiza ciertas figuras e ignora la autogestión, es cierto que siguen existiendo mánagers y derivados (agencias de prensa, etc). Pero antes de pensar en ello una banda tiene que tener (para mí es condición excluyente) un paso por el under. Y el under argentino es riquísimo de bandas muy buenas, donde un nuevo proyecto tiene que "pelear" y "posicionarse"; fundamentalmente establecer vínculos con otros músicos y polos musicales. 

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Excelentw guia. Un aporte: dejar algunos de los errores.

Eso lo hace mas humano al disco. Y me ha pasado que escuchando el contexto hasta paecen cosas pensadas.

Salvo que sea algo muy pero kuy feo de entrada hay que probar.

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Charly está buena la guía pero hay varios elementos que ya están obsoletos, por ejemplo, editar un disco físico. La mayoría de los que oyen bandas de rock (lo tomo en general) aún hoy en día lo hacen por dos medios: YouTube o Spotify (y derivados). Con esto quiero decir que si se pretende tener llegada, la digitalización de la música tiene que ser un paso fundamental porque son las reglas del mercado actual (al menos en lo que refiere a la música de rock en nuestro país). 

 

Por otra parte tu post idealiza ciertas figuras e ignora la autogestión, es cierto que siguen existiendo mánagers y derivados (agencias de prensa, etc). Pero antes de pensar en ello una banda tiene que tener (para mí es condición excluyente) un paso por el under. Y el under argentino es riquísimo de bandas muy buenas, donde un nuevo proyecto tiene que "pelear" y "posicionarse"; fundamentalmente establecer vínculos con otros músicos y polos musicales. 

 

@@Escafandra, aún no se puede dejar de lado la edición física de una grabación (ya sea en cd, vinilo, cassette, pulsera usb o lo que fuera que inventen en el futuro).

Hay varias posibilidades de destino de la grabación en mi escrito y la primera de ellas se refiere al streaming. Volvé a leerlo.

Te sorprendería saber que yo soy uno de los que aconseja a la gente que graba que no editen en formato físico si tienen que invertir mucho dinero o si no tienen garantizada la distribución (precisamente no incluí la distribución en los ítems, para no potenciar la edición física), y pienso que la "oficialización" de una edición hoy debe realizarse en primera instancia a través de Spotify o plataformas similares. Además de técnico y productor, soy agregador digital. Pero no viene al caso mi trabajo en este thread. Sólo uso lo que el mismo me deja día a día para recopilar estos datos.

 

Este informe agrupa tanto a los artistas under como a los que no lo son o quieren salir de él y no está precisamente referido al rock. No tiene distinción de estilos. Rock, tango, folklore, pop, música infantil, música melódica, jazz, música clásica, y cientos de estilos más, hoy necesitan que la música se grabe para darla a conocer.

 

Hay una gran confusión en eso de la idealización. Un manager bien puede ser un amigo de la banda. La agencia de representación es para los casos de artistas que deseen estar en el mainstream. Cada uno elegirá entre ser principiante, under, mainstream o un producto de venta masiva. 

Todo el movimiento under se vale de agentes de prensa contratados para difundir sus actividades musicales. Hay para todos los gustos.

Los que no lo hacen son amateurs, lo cual no está mal, es una elección. Pero el topic habla para todos.

 

Ninguna banda nace profesional. Siempre hay un paso previo por el under. Cada persona elige si quiere ir más allá o quedarse ahi.

 

 

La autogestión depende de las posibilidades reales (de compromiso con el proyecto, económicas y de utilización a conciencia de los recursos), sino se torna imposible. Imaginate que en el under más under, es difícil conseguir músicos que se comprometan con un proyecto, mucha gente no tiene tiempo o no está dispuesta a arrriesgarse para tenerlo, las bandas suelen separarse al mes de formadas y muchos músicos del under abandonan sus proyectos originales para irse a tocar con consagrados (pasó en algunas de las mejores bandas del under de nuestro país). 

 

Este es un foro con muchos (muchos de verdad) usuarios que se dedican a la música o buscan hacer de ella su medio de vida. Tiene que haber información sintetizada para todos en general. Y de ahí, cada uno puede extractar lo que más se acerca a su situación.

 

Lo que vos decís de "pelear" y "posicionarse" es verdad, pero no rinde la cultura del aguante sola, dura poco tiempo. Precisamente en esa cultura del "venimos de abajo" es donde falla el desarrollo artístico casi siempre. Pero la autogestión bien llevada es una excelente salida (lo cual no significa hippismo o bohemia) si se está dispuesto a invertir dinero y sacrificar muchas cosas para obtener una parte de los resultados buscados.

Preguntate a cuántas bandas de rock (por tomar un ejemplo estilístico) autogestionadas, les fue bien en su carrera.

 

MIA (la banda de Lito Vitale en los 70s), siguen editando discos pero ya están muy lejos de la autogestión

 

Los Redondos (una de las más exitosas en su emprendimiento,(tomado de los MIA, por eso el primer album está editado por Ciclo 3, que era el sello de los Vitale). Hoy uno de Los Redondos, su cantante, comanda el caso de mayor convocatoria y mayor éxito comercial de nuestro país. Y tuvieron que valerse de managers (la negra Poly), revistas, agentes de prensa, y distribuidoras para poder crecer, desde tiempos remotos.

 

Cuantas más. Mavi Rock??? (también editan una revista)  No se me ocurren muchas más. Probablemente las desconozca. Y eso no es una buena señal. Un artista puede ser amado u odiado, pero jamás desconocido o ignorado.

 

Por la razón que argumentás no puse como recurso fundamental el de pagar por la difusión radial o televisiva de las canciones, porque eso ya pertenece solo al mainstream y es demasiado costoso para una banda emergente (cualquiera que tenga ganas de arriesgar 3 millones de pesos en pagar para difundir sus canciones en los medios de mayor llegada, la pega, pero tienen que sonar realmente bien, porque existe gente que gastó 1 millón en posicionar a su banda y su nombre es conocido apenas por 100 personas, con suerte).

 

El under se termina cuando hay plata de por medio y ese dinero, lamentablemente, es protagonista desde el principio. Los instrumentos se pagan, las clases se pagan, las salas de ensayo se pagan, y asi llegamos a la situación que plantea el topic, que justamente habla de reducir costos.

 

Como dato ilustrativo vale recordar que Rubens Vitale (Donvi) y su mujer Esther Soto, padres de Lito y Liliana Vitale, en los 70s HIPOTECARON SU CASA, para que sus hijos puedan comenzar su carrera discográfica y de presentaciones de manera autogestionada. Cuanta gente conocemos dispuesta a hacer eso en la actualidad??? Son muy pocos los que arriesgarían apenas lo que cuesta un instrumento (o un menú de McDonalds) para que su proyecto pueda desarrollarse,. es muy difícil.

 

Si sirve otro dato, el tecladista de la banda en la cual toco desde siempre, cuando nos tocó viajar a Brasil en 1999, tenía serios problemas en su trabajo si realizaba ese viaje (su puesto era importante). Te imaginás lo que hizo para poder viajar a tocar???  RENUNCIO A SU TRABAJO.

Cuanta gente haría eso??? Vos, con una mano en el corazón, lo harias???

 

En el mejor de los casos, lo ideal es que los músicos nos dediquemos a la música y el dinero lo pongan otros que esten interesados en ganar más dinero y darnos algo que nos sirva (unos pesos para poder vivir y rédito artístico)

 

 

Yo hablo de los soportes vigentes hoy, en noviembre de 2016. Para poder ser digitalizada o editada, la música tiene que ser compuesta, aprendida, ensayada, grabada, mezclada, masterizada y producida antes. Además de tocar en vivo, por supuesto. De eso se trata el topic.

Edited by Charly Lucena

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Aporto algo con el tema economico.

 

Airbag si mal no recuerdo, hicieron campaña publicitaria ellos mismos, con guita proveniente de familia tambien. Tan bionica que se hizo muy popular recuerdo estar grabando en MCL y con Alejandro Pensa que nos decia, estoy laburando con estos chicos, que mientras estaban grabando su nuevo disco, consiguieron firmar contrato. 

 

Yo creo, hay que tambien un poco olvidarse el hecho de que una banda va a tocar y hacerse millonario, eso sucede muy poco realmente.

 

Tema managers y agentes de prensa, son complicados, al igual que contratos, si ya estan laburando con una banda y estan haciendo una inversion para que esa banda genere publico, a veces puede resultarles contraproducente, los managers son algo dificil, un manager si lo encuentra a uno, tiene que poder pensar, esta banda no me va a hacer laburar al pedo, sino mas bien, con esta banda voy a poder trabajar comodo, con managers hay mucho humo, muchas veces un manager puede conseguir fechas excelentes, prensas muy buenas, si lo hace es porque cree que le va a ser rentable(poca gente lo hace por buen corazon), pero no al punto de robarle guita de shows a la banda, desentenderse o no hacer suficiente trabajo. 

 

Es complicado el tema de autofinanciamento, mas que nada para bandas under, es complicado o a veces medio fantasioso que un sello o alguien vaya a poner guita por uno. Lo que vengo viendo de bandas con las que empeze laburando y algunas que todavia sigo laburando, es que se que suena dificil pero una banda es una empresa y requiere de inversion si quiere que cresca. Algunas bandas en un lapso de 2 o 3 años manejando bien el tema economico, de lo que ganaban en un show, no se compraban una nueva viola, sino muchas invertian o para generar material, o para hacer publicidad para sus proximos shows. Una vez que empezas o a generar mas dinero de shows, o ganar por regalias, suele haber crecimiento, con muchisima suerte puede ser exponencional pero no suele ocurrir tanto a menos que se sepa laburar por alguien que la tenga clara en marketing. 

 

Tambien otra cosa, por mas que se consiga firmar un contrato con una discografica(que hoy gracias un poco a la ley de medios le estan dando mas pelota a esto note), no significa que esta vaya a siempre invertir en voz para hacer tu proximo disco, sino mas bien, es mas probable que te "preste" el dinero, descontandolo luego de regalias.

 

Y una cosa que me parece importante tambien, es nunca gasten flor de dinero en su primer disco, labure con bandas que quisieron poner mucha guita en el primer disco, en algunas justificadamente, en otras no, hay mucho circo con esto, circo en el sentido de decir vamos a un estudio por ir, para figurar, para decir, fue grabado aca, aca y aca. Para decir, mi voz fue grabada por un mic de 20.000usd, pasada por una consola de 200.000usd comprimida con los mejores compresores posibles, esto es circo, generalmente si se quiere producir algo la inversion DEBE ser inteligente, si se graba tal cosa en tal estudio, es por TAL razón, algo se quiere lograr en especifico, no ir a un estudio tal porque si, para sacar chapa, es gastar dinero al pedo. La experiencia del primer disco, no siempre es la mejor, yo soy mas de decir, una banda que empieza, quiere mostrar temas, un EP es la mejor forma, dar a conocer algunos temas de la banda, por un costo no demasiado grande, que ayude a generar un primer publico. Vean como la gente reacciona ante los temas, si les gusta, que tema les gusta mas para ir viendo como terminar de cerrar el resto de los temas y de la misma forma intentar probar cosas nuevas en temas nuevos y nuevamente ir viendo como la gente reacciona a esto que falla, y que sale bien, no tengan miedo a equivocarse pero sean criteriosos. 

 

Para mi una banda tiene que pensar como una empresa, repito, en el fondo lo es si quieren hacerlo como un proyecto lucrativo(no millonario) inviertan en lo que haga que crean que haga falta, pero sin inversion, que de algun lado sale(no digo inversiones ridículas), rara vez se llega lejos(una vez tengan su primer EP, hacer un video quizas, hacer publicidad, mover redes sociales, etc).

 

En lo que es publicidad sean creativos, llamen la atención de buena manera provoquen que al otro les de ganas de escucharlos e ir a verlos. 

 

Abrazo!

Edited by Santiago Linietsky

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Recordemos que un manager de verdad, cobra el 20% del dinero que la banda cobra por los shows que él mismo les consiguió (incluso hay algunos que se llevan menos).

 

Si nos pagan 5.000 pesos por un show, al manager le tocan 1.000 pesos.

Si por el show nos dan 1,000 pesos, el manager se lleva 200.

Si no consigue nada, no cobra.

 

Pero un manager debe ser quien se mueve para vender los shows de un artista. Hay muy pocos managers reales en la actualidad.

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